"Os fantásticos livros voadores" é disponibilizado na integra na internet

O site Galleycat pôs no ar a versão integral (cerca de 15 minutos) do curta de animação que ganhou o Oscar ontem à noite, The fantastic flying books of Mr. Morris Lessmore (Os fantásticos livros voadores do Sr. Morris Lessmore, nome próprio que contém um trocadilho intraduzível, algo como “Maisé Menosmais”).

Essa declaração de amor ao livro de papel começa com um furacão que arranca todas as casas de seus alicerces e todas as palavras das páginas impressas, metáfora óbvia da onda digital. Mudo, o filmete é escrito e codirigido pelo ex-animador da Pixar William Joyce e mistura técnicas (stop-motion, animação computadorizada e desenho) para produzir uma bonita homenagem aos livros físicos.

Embora ameace derrapar aqui e ali (personagens em preto e branco ganham cor ao ter contato com livros, por exemplo), o curta consegue no fim das contas driblar a maior parte dos lugares-comuns associados ao tema. Destaque para o momento em que, na mesa de operação, o velho tomo carcomido em francês tem uma parada cardíaca e só ressuscita quando o Sr. Lessmore começa a… lê-lo!

Um tom profundamente nostálgico perpassa o filme, da música à direção de arte, e é condizente com uma cerimônia do Oscar em que o grande premiado foi “O artista”, mas tem algo de enganador. Além de render um curta de animação, a história de The fantastic flying books… foi lançada ano passado como um livro digital interativo para iPad que chegou ao primeiro lugar entre os mais vendidos na loja da Apple.

Fonte: Toda prosa - Veja Online

Assista o curta:

Oscar, nostalgia e crise de identidade

Luiz Zanin

A invenção de Hugo Cabret

Quem ganha o Oscar? O filme francês que homenageia o cinema americano ou o filme americano que homenageia o cinema francês? Claro, sempre pode haver zebra. Mas o mais provável é que um dos dois, ou O Artista (dez indicações) ou A Invenção de Hugo Cabret (11 indicações) leve o Oscar principal na noite de hoje.

Se isso acontecer mesmo, tudo seguirá um script coerente, mas que indica, talvez, a existência de algo mais profundo sob a banalidade da superfície. Qual seria esse ponto comum? Os dois filmes falam, por caminhos e estilos diversos, da mesma coisa. Celebram o cinema, ou pelo menos, um tipo de cinema. E o fato de serem os grandes finalistas talvez aponte para uma crise de identidade nessa arte já mais que centenária. A Academia de Hollywood, uma espécie de termômetro ou inconsciente coletivo do cinema, em sua vertente dominante, pode ter intuído o que esses filmes têm de comum, e os levado até o fim da disputa como os favoritos por representarem suas próprias inquietações enquanto categoria. De comemoração superficial da indústria cinematográfica, o Oscar 2012 arrisca-se a ser, involuntariamente, reflexão sobre a sua arte.

Como se sabe, O Artista se situa no momento preciso da crise aberta pela chegada do cinema falado, entre o final dos anos 1920 e o começo dos anos 1930. Invenção que abre muitas portas e fechou outras. A partir de O Cantor de Jazz (1928), o público acostuma-se com o cinema falado e relega o cinema mudo à obsolescência. Astros, estrelas, diretores, técnicos e produtores são obrigados a se reciclar. É uma revolução. Alguns conseguem fazer a travessia, outros ficam pelo caminho. Um gênio como Charlie Chaplin hesita e posterga, o quanto pode, a entrada no falado. Ao fazê-lo, como num rito de sacrifício, vê-se obrigado a matar sua persona mais famosa e seu alter ego mais querido, Carlitos. É desse tempo em convulsão que fala O Artista, de Michel Hazanavicius.

Não é a primeira vez que o cinema aborda esse período crucial e cruel de sua história. Dois filmes já o fizeram, com brilho: Crepúsculo dos Deuses (1950), de Billy Wilder, e Cantando na Chuva (1952), da dupla Stanley Donen-Gene Kelly.

Ambos são filmes da crise, porém expressos em tonalidades diferentes. Em seu furioso preto e branco, Wilder aposta na chave mais soturna; em suas cores profusas, música e dança, o de Gene Kelly é luz total. O musical de quem não suporta musicais. Por tudo isso, por certo, fez mais sucesso de público que seu concorrente em preto e branco. Mas, em linguagens opostas, ambos significaram a mesma meditação sobre o cinema em determinado momento.

Ambos, é verdade, se referem à transição do cinema mudo para o falado, mas foram feitos em outro momento crucial, quando a televisão se firmava como a grande geradora moderna de entretenimento e ameaçava, de novo, o cinema. A TV era a promessa de uma tela em cada casa, para cada família, para cada indivíduo. Adeus ao rito coletivo das grandes e luxuosas salas de cinema. Pelo menos era o que se pensava na época.

Se o futuro não foi tão sombrio, é verdade também que o espetáculo cinematográfico nunca foi o mesmo. Progressivamente foi se alterando para se realizar não apenas na sua destinação primeira e “natural”, a grande sala, mas também nas “pequenas salas” individuais, nos lares e, hoje, nas telas dos laptops, dos tablets, dos celulares, dos smartphones. Víamos os grandes astros e estrelas na dimensão de gigantes assustadores e sedutores, tais como aquela deusa vivida por Anita Ekberg que sai do painel de anúncio de leite para tentar o falso puritano em As Tentações do Doutor Antônio, de Federico Fellini. Hoje, podemos vê-los na dimensão de formigas. E conviver com eles no trem, no metrô, no avião, num momento de tédio na sala de espera do dentista. Haverá aura que resista a tanta banalidade e a tanta familiaridade?

Outros cineastas também o fizeram, em épocas mais recentes, a meditação sobre sua arte.  Em seu grande momento de crise pessoal, Fellini transforma a inibição em sua maior obra-prima, Oito e Meio (1963), ao fazer do seu alterego Guido Anselmi (Marcello Mastroianni) o cineasta que não consegue terminar seu projeto e nem dá conta de arrumar sua vida – a não ser projetando a ambos no mundo da fantasia. É o mais belo filme sobre o impasse jamais feito e uma homenagem crítica ao cinema como este nunca recebeu.

Em sua chave mais discreta, François Truffaut faz o seu Oito e Meio em A Noite Americana (1973), fazendo ele próprio o papel do diretor que enfrenta todas as dificuldades, inclusive o estrelismo da atriz principal (Jacqueline Bisset), que ameaça parar a produção ao se envolver com o partner, Jean-Pierre Léaud, alter ego de Truffaut nos seus filmes mais importantes, a partir de Os Incompreendidos (1959), seu longa-metragem de estreia.

Claro, nos dois projetos, havia o desejo manifesto de exorcismo de inibições pessoais e também a vontade de homenagem ao métier que haviam abraçado. Mas também assinalava outra dimensão. Saídos os dois de duas utopias autorais, Fellini do neorrealismo, Truffaut da nouvelle vague, viam-se obrigados a negociar seus desejos e estilos com a figura do produtor, que transforma os sonhos pessoais do artista na realidade econômica da arte. Ambos provaram que essa negociação era possível (pelo menos naquele tempo), embora dolorida e cheia de contradições. Convém não esquecer que um gênio como Fellini terminou tendo dificuldades para viabilizar suas produções. Alguns dos seus projetos não foram feitos, um pecado que a Itália deverá purgar até o fim dos tempos.

O cinema é a última das artes a representar-se a si mesmo. Outra, mais antigas, já o fizeram, e em obras célebres. Na peça dentro da peça, Hamlet faz o rei perceber que sabe tudo sobre o assassinato do pai. O teatro dentro do teatro revela. Ao glosar os romances de cavalaria e, em especial, ao se parodiar, o Quixote inaugura a literatura moderna como referência de si mesma. Ao colocar-se no centro do seu quadro Las Meninas, Diego Velázquez indica uma era em que o artista seria mais central que o soberano.  Inicia, em especial, a era da representação, segundo análise de Michel Foucault em seu As Palavras e as Coisas. A era moderna, na qual não se indicam as coisas em si, mas através daquilo que as representam. A era do espelho. Em O Jogo da Amarelinha, Cortázar faz a literatura, autoconsciente, voltar-se contra si mesma no ato de produzir o novo. Como o escorpião, que, para se suicidar, pica a si mesmo, conforme diz na epígrafe.

De certa forma, o cinema, a última das artes, como todas as outras, reencontra-se e repensa seu caminho quando encena a si próprio nas telas. É como se fosse um momento de tomada de consciência, de pausa para respiração no ritmo industrial que o caracteriza e o deforma.

Filho da técnica, o cinema encontrou na indústria seu veículo natural. Mas encontrou também a sua negação potencial como arte. Nascido como entretenimento de feira de variedades, foi renegado pelos próprios pais, os Lumière, que o classificaram como “invenção sem futuro”. Foi preciso um visionário, um ilusionista de profissão, George Méliès, para enxergar no cinema um meio ficcional virtualmente ilimitado, porque capaz de captar o movimento – isto é, o tempo.

E nesse ponto voltamos à Invenção de Hugo Cabret, que aparece como consequência lógica de toda a trajetória de Martin Scorsese. Esse erudito sem par do cinema contemporâneo, conhecedor de sua história e de seus meandros, homem que, da mesma maneira que Truffaut, considerou-se salvo pelo cinema quando talvez pudesse ter se tornado marginal por seu meio social na infância, retorna ao primeiro inventor dessa grande arte. Trata a precariedade engenhosa dos primeiros filmes de Méliès com os requintes tecnológicos de que agora dispõe. Como se quisesse, neste belo e singelo filme, juntar as duas pontas da história do cinema e dizer que, sim, apesar dos pesares, ele tem salvação. Desde que não renegue suas origens.

Talvez não seja mesmo por acaso que os dois maiores concorrentes ao Oscar comentem e celebrem o cinema dos primórdios. Como se fossem tentativas de recuperar alguma coisa desse sopro inicial, do frescor de uma arte que, apesar de tantos progressos técnicos, como o digital e o 3D, dá mostras de cansaço inequívoco quando visto em seu conjunto. Nesse retorno às fontes, há provavelmente um desejo de recuperar energia. Quando o cinema se vê a si mesmo, é sinal de crise. E também de vontade de renascer.

Fonte:  Blog do Luiz Zanin - Estadão

Meia-Noite em París "é tudo o que desejávamos e muito mais"

Woody Allen, Olwen Wilson e  Marion Cottilard

Diogo de Jesus Moreira Cysne

Dos muitos adjetivos usados para descrever Woody Allen – neurótico, engraçado, pessimista, fatalista – um dos que mais se encaixam em sua carreira não poderia ser outro: prolífico. Com uns sabe-lá-deus quantos filmes no currículo, que cresce a uma taxa de um ou dois filmes por ano, Woody Allen é um diretor que, sozinho, foi responsável por mais filmes do que muitos estúdios. É claro que um ritmo de produção tão frenético foi acompanhado de uma inevitável irregularidade na qualidade de suas produções. Se, por um lado, temos obras-primas poderosas como “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa” e pequenas jóias como “Match Point”, temos também produções muito frustrantes como “Scoop” e “Você vai conhecer o homem dos seus sonhos”. De qualquer forma, nos últimos anos, o público sentia certa falta da genialidade rebelde e pulsante que tornou o diretor uma estrela global nos anos 70. Uma ótima notícia a todos: “Meia-Noite em Paris” é tudo que desejávamos e muito mais. Talvez uma de suas obras mais poderosas, singelas e tocantes. Brilhantemente escrito e dirigido, repleto de um humor doce e de uma tenra inocência, este filme marca mais um dos pontos mais altos na carreira de seu famigerado cineasta.

Difícil não se encantar com a obra logo de início, quando nos são apresentadas várias cenas de Paris ao decorrer do dia, ao som de uma canção tipicamente francesa. O público é lentamente transportado para o clima da cidade mais charmosa do mundo e é conectado às idéias de Gil Pender (Owen Wilson), um bem-sucedido mas profissionalmente frustrado roteirista de Hollywood, cujo maior sonho é abandonar a superficialidade de sua vida e mergulhar no mundo bucólico, romântico e inspirado de Paris. Em noivado com Inez, representada pela estonteante Rachel McAdams, Gil vê todas as suas aspirações serem tragadas pela objetividade e materialismo da noiva. Buscando um refúgio em longas caminhadas noturnas pela Cidade das Luzes, Gil descobre que, toda meia-noite, Paris volta ao passado e ele pode viver a época que mais sonhava em conhecer na cidade: a década de 20.

Essa premissa genial do roteiro é típica da mente rebelde e faceira de Woody Allen. Mas todo o resto é igualmente poderoso e criativo, e Allen explora seus personagens de modo a render situações ao mesmo tempo hilárias e tocantes. Tudo – e aqui eu sou bem literal – funciona magnificamente neste roteiro inspiradíssimo. O retrato da vida de Gil com sua noiva e a família dela é cômico e angustiante: sentimos pena de um homem tão honestamente delicado e idealista se envolvendo com um pessoal tão, na melhor das descrições, supérfluo. O círculo de amigos de Inez é outra jóia do humor, com o pedante sabe-tudo Paul gerando constantes risadas da platéia devido à sua personalidade absurdamente afetada (pseudo-intelectual, como diria um aborrecido Gil).

Mas não tem jeito: a riqueza-mor do roteiro e de seus personagens jaz na Paris à meia-noite, quando o protagonista é levado ao passado e vivencia aventuras inesquecíveis ao lado de seus ídolos artistas: Scott Fitzgerald, T. S. Eliot, Salvador Dáli (cuja obsessão por rinocerontes foi motivo de profundas gargalhadas da platéia), Pablo Picasso e tantos outros. O encontro de Pender com seus ídolos, bem como o seu mais do que natural estarrecimento, é impagável! Woody Allen, um artista sincero, despeja referências infindáveis ao “ressuscitar” os grandes mestres da pintura, literatura e cinema da década de 20. Não se preocupe: dificilmente haverá alguém que entenda todas elas – ou mesmo que reconheça todos os artistas – mas a graça de toda a história é o suficiente para despertar no público a certeza de que o filme que está assistindo é uma experiência verdadeiramente enriquecedora.

Allen aproveita seu tino humorístico também para cutucar muitas das imbecilidades típicas da sociedade norte-americana (que é incorporada, aliás, em Inez e companhia). Críticas ao partido republicano, ao recente frenesi direitista vivido pela política do país, ao consumismo e à guerra do Iraque acrescentam uma bem-vinda acidez em um roteiro quase todo doce e suave. Isso mesmo: a história desenvolvida em “Meia-Noite em Paris” é de uma inocência que eu julgava perdida no cinema contemporâneo! Allen, diferente dos pessimismos que vez por outra afloram em suas obras, faz uma apologia à simplicidade da vida e usa Paris como uma metáfora dessa simplicidade. Aliás, os franceses devem estar com uma dívida eterna com o diretor, que fez um dos mais belos retratos de Paris no cinema em décadas. A genialidade da história é tamanha que até mesmo a “volta ao passado” usada no filme, e que parece um aspecto positivo durante boa parte da obra, se transforma em uma crítica à insatisfação das pessoas com suas próprias gerações. Minha única ressalva quanto a isso é que Allen usa uma mensagem de moral meio óbvia no final, o que era desnecessário e maculou, mesmo que minimamente, a perfeição do roteiro.

Que dizer, então, da maravilhosa performance que o elenco mostrou no filme? Até mesmo Owen Wilson, um ator tipicamente meia-boca, eleva-se á grandeza com as situações brilhantes e os diálogos engenhosos do filme! Ele interpreta Gil Pender com absoluto domínio e convencimento, encarnando a personalidade inocente, meio-abobalhada, mas encantadora, de seu personagem. Marion Cotillard, de longe uma das melhores atrizes em atividade “presenteadas” ao mundo pelo continente europeu, vive aqui o seu papel mais apaixonante, sensual e arrasador de sua carreira: Adriana, a amante de Picasso e colírio-dos-olhos de Pender. Que dizer então de Inez e seus parentes e amigos, que vivem em um mundo afetado pela superficialidade? McAdams incorpora uma Inez absolutamente sexy, mas ainda assim tão irritante!

Os aspectos técnicos são um delírio! Paris nunca esteve tão bela, graças à fotografia magistral! As cenas iniciais da cidade já são uma amostra do nirvana visual que Darius Khondji, o diretor de fotografia, compôs para sua obra! Os figurinos e a ambientação da Paris nos anos 20 são convincentes, embora eu não tenha sentido a mesma perfeição que a da fotografia. A trilha sonora, valendo-se de valsas francesas soberbas, não é menos do que encantadora: um destaque ao uso de clássicos de Cole Porter, um dos figurões a aparecerem no filme.

Estou perplexo que um filme hoje em dia possa resgatar os valores mais nobres e singelos do ser humano, encarnando-os em uma viagem paradisíaca pela cidade mais romântica do planeta. “Meia-Noite em Paris” não é somente mais um ponto alto na carreira de Woody Allen; é um dos melhores filmes de sua carreira (e olhe o padrão é um dos mais altos possíveis). Uma dica valiosa: é um filme perfeito, com todo o seu romantismo transbordante, é perfeito para levar a namorada! Garantia de uma sessão inesquecível!

Fonte: Cineplayers

Ficha:
Midnight in Paris (Meia-Noite em París)
Diretor:  Woody Allen
¶ Quatro indicações ao Oscar 2012: Melhor filme  diretor, roteiro  original e direção de arte, .